Body Painting

“Se paraliza, se estremece y se embellece; es un lienzo, es el cuerpo. Medita, concibe y embellece; es una

expresión, es el artista. Es la pintura aplicada a la más elemental fuente de inspiración y referencia, es el

color que matiza a la anatomía humana, y sublima su silueta; es la práctica que se conoce como body

Una pequeña incursión en la historia del Body Painting

Se puede definir al Body Painting como una pintura artística aplicada a la piel, que es considerada como una de las primeras formas de expresión plástica utilizadas por nuestros antepasados quienes descubrieron que la tierra coloreada, el carbón de madera, la tiza, la sangre de los animales y  muchos otros elementos provenientes del reino animal, vegetal y mineral, servían quizás para impresionar al enemigo, en forma de pintura de guerra, o de señal de reconocimiento de una tribu. Esta técnica de maquillaje primitivo pudo también servir de camuflaje para la caza.                          

Probablemente el hombre aplicaba pigmentos sobre su cuerpo para afirmar su identidad, la pertenecia a su grupo y situarse en relación a su ambiente. Esta práctica ilustrada se convertía en un instrumento de transformación. Los dibujos y los colores permitían cambiar de identidad, señalar la entrada en un nuevo estado o grupo social, definir una posición ritual o reafirmar la pertenencia a una comunidad determinada, o sencillamente servían de ornamento. 

              

                                       

A) Práctica moderna de la pintura corporal

La pintura corporal hoy, conocida como Body Art, es practicada en las sociedades occidentales con otros objetivos sobre todo lúdicos, artísticos y decorativos. Su carácter espectacular convierte a esta actividad en algo sumamente valorado debido a la técnica en conjunto con la creatividad de los artistas que la desarrollan.

La temática de la pintura corporal es sumamente variada. Dentro de los temas preferidos podemos mencionar los animales: felinos en la mayoría de los casos. También serpientes y arañas se integran a figuras decorativas muchas veces abstractas. Otro de los temas preferido por los artistas es el fantástico: criaturas multicolores, proporcionadas de alas, antenas, garras recorren los festivales alrededor del mundo. Se encuentra también el camuflaje: el cuerpo se integra a su medio ambiente, árboles, papel o paredes decrépitas.

En muchos países la pintura corporal se utiliza durante los festejos del carnaval. 

 

Se le consagran varios festivales a este tipo de pintura, entre ellos el de Seeboden en Austria “World bodypainting festival” y el de Bruselas en Bélgica en el Festival Internacional de la película fantástica, “The International Body Painting Contest”.

B) Antecedentes cercanos

Si bien en los años 60 y 70 fue el auge de las expresiones corporales , presenciales, experimentales, activistas, hubo un largo recorrido anterior, donde se puede encontrar, las performances de los futuristas italianos durante los primeros años del siglo XX, a Tristán Tzara y los artistas del Cabaret Voltaire que realizaron acciones similares, y a  Antonin Artaud quien a fines de los años 30, tuvo una influencia decisiva en los artistas de entreguerras, con “El teatro y su doble”, fundando un teatro de la vida, de la autenticidad, del gesto y de la improvisación.

 En los 60, con los grupos que crearon el Accionismo vienés, la Situacionista Internacional, Fluxus, las pinturas corporales de Klein; las Esculturas vivas de Manzoni, convertidas en obras de arte al ser firmadas por el artista y los Happenings, el Body Art. se terminó de afianzar.

El Body Art. fue muy difundido por la revista neoyorkina Avalanche, que se empieza a editar en 1970,  por la revista francesa arTitudes y por el  crítico Francois Pluchart, quien organizo algunas muestras (Art corporel, París, 1975, L’Art Corporel, Bruselas, 1977) y expuso el contenido y los objetos del arte corporal en tres manifiestos.

En el primer manifiesto declara que:

“El arte corporal no es en ningún caso  una  nueva   receta artística destinada a  inscribirse en una historia de arte fracasada. El  arte corporal es  exclusivo, arrogante, intransigente. No mantiene relaciones  con ninguna forma supuestamente artística si  de  entrada no  es declarada sociológica o crítica.  El arte corporal derriba, rechaza y  niega la  totalidad  de los pasados valores estéticos y morales inherentes a la práctica artística, ya que  la  fuerza del discurso debe remplazar a cualquier otro  presupuesto del  arte”.

En un tercer y ultimo manifiesto,  “el crítico  y  teórico  francés,  establece una reflexión sobre el papel  desempeñado por  el arte  corporal  en  las vanguardias, afirmando  que  el arte  corporal  emergió  en  el  seno  de  una  serie  azarosa  de vanguardias  falsificadas  ajeno  a  cualquier  tipo  de  interés  decorativo  o  discursivo, con una clara voluntad perturbadora y desalienante. El arte corporal se presenta  como una cura para la enfermedad social puesta  en evidencia  por  los desórdenes  políticos y culturales del mayo francés del 68, y como la más contundente y violenta reacción contra lo establecido  que, conscientemente  o  no,  es  el  responsable  de  poner  el mundo al revés, un mundo que en lugar de dar  vida, esclaviza,  mutila  y  castra  al  ser humano:  Hoy  día  el  arte  corporal ya  no  tiene  por  qué  producir  belleza,  sino lenguaje, un lenguaje inédito, no codificado que, rechazando la historia,  el  sentido  y la  razón,  sea  capaz  de  hablar  del  cuerpo,  aquí y  ahora,  con  el  fin  de  preparar también el mañana”.

C) Características del body Art.

• En primer lugar, y a diferencia del happening o de fluxus, en el “Body Art” no hay improvisación. Esto, además, es un punto de encuentro con el arte conceptual.

• El “Body Art” critica una concepción de sujeto en la que no se pueda acceder y conocer al mundo y a los otros de manera perceptual.

• La obra es una acción y esto la hace efímera, su temporalidad está determinada por tal acción. 

• Dado su carácter temporal, lo que queda de la obra son “documentos” como fotografías y videos, cobrando mucha importancia como nuevos medios.

Aunque  no  existan  diferencias  rotundas  entre  artistas  europeos  y norteamericanos que  reivindicaron  el  cuerpo  como nuevo  material y  soporte,  tanto físico como psíquico y vital de la expresión artística,  puede decirse  que los primeros tendieron a utilizar el cuerpo objectualmente y a plasmar sus creaciones a través  de documentos estáticos como fotografías, notas y dibujos; los norteamericanos,  por el  contrario, dieron prioridad a la acción  o performance y, por tanto, a cuestiones como  la percepción y el comportamiento de los espectadores  y  la  temporalidad de la obra.  Los  documentos  que  hacen  referencia a  tales  acciones  son  principalmente, documentos dinámicos como filmes y videos.

Body Art en Europa

Günter Brus, Otto Muehl, Herman Nitsch y Rudolf Schwarzkogler formaron el llamado “accionismo vienés” fueron de los primeros artistas (en Europa) que presentaron y usaron su propio cuerpo como soporte, como obra de arte. Su propio cuerpo podía ser degradado, envilecido o mancillado de acuerdo a su “política de experiencia”.

 Sus intenciones eran seguramente llevar a cabo un regreso efectivo a lo originario y lo más originario que tenemos es el cuerpo, es nuestro primer principio de individuación, pero a la vez es principio de apropiación de lo otro en términos místicos. Estos accionistas enfatizaron acciones corporales provocativas, transgresoras, fetichistas y hasta violentas, y reivindicaron el valor del cuerpo como “objeto” y “sujeto” a la vez. . Esto es la simiente de lo que Simón Marchán Fiz llamaría el “Body Art antropológico. Otros antecedentes del arte corporal son las Antropometrías de Yves Klein, donde es la carne la que pinta. La obra es el proceso de pintar con el cuerpo, no lo pintado; es la dirección del artista, que no toca la obra pero la dicta; es el movimiento de las modelos manchadas de azul. Por otro lado está Piero Manzoni, quien defiende a lo corpóreo hasta en sus manifestaciones escatológicas. El cuerpo y todo lo que sale de él es arte.

El body arte europeo se caracteriza porque el cuerpo se somete a acciones muy dramáticas y masoquistas que cuyos testimonios son fotografías. Bebe del dramatismo y misticismo de la religión cristiana y de su idea de la redención a través del dolor y la mortificación del cuerpo, de lo que han sido ejemplo los múltiples suplicios de santos y mártires, y la propia crucifixión de Cristo, infinitamente representados a lo largo de la historia del arte.

                                  

El Body Art en Estados Unidos

El Body Art. norteamericano se caracteriza porque hay cierta implicación del espectador y del tiempo en la obra, por eso, las acciones que se realizan con el cuerpo son grabadas

en vídeo en lugar de dejar como testimonio las fotografías, son más conceptuales y minimalistas. Muchos de estos artistas investigaron su cuerpo como espacio, o en el espacio. Por ejemplo, Vito Acconci lleva a cabo acciones donde interviene en su propio cuerpo: se cubre la boca hasta casi ahogarse, se masturba, se muerde, etc. Aquí el cuerpo no es más objeto, sino sujeto y objeto a la par. Es principio epistemológico no sólo del mundo, sino del propio yo, que no están ya encontrados, sino que se fusionan. También Acconci usó el arte para adquirir autoconciencia, como un trayecto de lo exterior a lo interior. Simón Marchán Fiz denominó a estas manifestaciones como “Body Art fenomenológico”, es decir, el que investigaba al cuerpo en sus manifestaciones espaciales

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Marchan Fiz distingue también un tercer tipo de Body Art. el cinésico. En este último clasifica las acciones corporales que se basan en la actividad cinésica del hombre y usan los gestos como forma de expresión artística. Aquí podemos ejemplificar el Círculo de miedo de Oppenheim, donde subraya la expresión de terror en su rostro al sentir caer piedras a su alrededor desde 10 metros de altura, tratando de no dañarlo. Este tipo de “Body Art”, según Simón Marchán, es el que tiene más puntos de contacto con el arte conceptual, puesto que el cuerpo opera como signo de una comunicación no verbal.

Body Art en Latinoamérica

En Latinoamérica, el Body Art estuvo ligado no sólo a la importación de tendencias vanguardistas desde Europa y Estados Unidos, sino a los rituales de origen indígena propios de los pueblos originarios de las distintas regiones y también a su circulación interna. Pueden distinguirse, entonces, diferencias estéticas y conceptuales entre las acciones de estas regiones, en comparación de las antes nombradas, pero sin duda la razón principal es que los artistas que experimentan con este tipo de género tienden a producir obras autorreferenciales, que mucho tienen que ver con sus contextos, con sus entornos socioculturales.

Si bien es lícito afirmar que la acción representada por las estatuas vivientes es la confluencia entre performance y body Art, éstas cambian completamente su sentido inicial. Ya no son la alternativa a un medio en decadencia ni la negación de la tradición del Arte, sino un medio más a disposición del artista, del cual puede hacer uso a voluntad, sin rechazar la posibilidad de alternarlo con los medios tradicionales.         Así, esta rama del arte callejero es un intento por recuperar un espacio festivo y común que liga la práctica artística a su entorno socio-cultural. A través de su actividad reclaman la inserción de los artistas en el espacio público, el espacio que pertenece a cada uno de los habitantes permanentes y circunstanciales de la ciudad.
Nuevamente, las artes plásticas dialogan con el teatro, la música y la danza, en un intento de redefinir el arte, de borrar las antiguas fronteras que convertían a cada una de las disciplinas artísticas en compartimentos estancos. Es un intento por generar nuevas asociaciones, que si bien no son inéditas, sí lo son las formas concretas en que se materializan y los significados o mensajes que pretenden transmitir. Lo  mismo ocurre con la relación que generan con el público que es el principal “target” de estas manifestaciones.

III- Desarrollo de mi propia experiencia

A largo de mi trabajo tomo como referencia, o influencia, las obras realizadas por el artista plástico Yves Klein, quien se mueve en torno a conceptos influenciados por la filosofía Zen, que el mismo describe como "le Vide" o en inglés: "the Void" (el vacío). El "le vide" es una especie de nirvana que es "mudo" o posee pocas influencias de las palabras; se trata de una zona neutral donde uno mismo está inspirado a prestar atención sólo a sus propias sensibilidades, y queda expuesto a la "realidad" como oposición de la "representación". Klein presenta su obra en formas que son reconocidas como arte - pinturas, un libro, una composición musical - pero él se encargó de eliminar el contenido de su obra de tal forma que se pueda realizar: cuadros sin pintura, libros sin palabras, composiciones musicales sin música, permaneciendo tan sólo la cáscara, tal y como si estuviera allí el arte. De esta forma Klein intentó crear para la audiencia "Zonas de Sensibilidad Pictórica e Inmaterial", evitando representar los objetos de una forma subjetiva, o artística, Klein deseaba que sus obras se representaran por la huella que habían dejado: la imagen de su ausencia., empujó a la audiencia y al público en general a experimentar un estado donde una idea pudiera simultáneamente ser "sentida" así como "comprendida".

Yves Klein, empezó a crear pinturas con el cuerpo humano hacia febrero de 1960. Él no consideraba la utilización de modelos para pintar figuras, sino que buscaba formas para captar su esencia. Por eso pensó pintarlas de azul, y así, las modelos se convirtieron en sus pinceles. Las embadurnó de color y registró sus formas sobre la superficie de un lienzo. Bajo el tituló de "antropometrías" estas pinturas conciben el cuerpo como centro de energía física, sensorial y espiritual.

La idea de mis obras  surge de dichas acciones, pero embarcado en un camino diferente, un sendero que me lleva a captar a través del color la sensualidad del cuerpo femenino. Uso a la modelo a la manera de Klein como un pincel humano, pero a diferencia de éste, busco un juego de contraste mediante la utilización  de colores complementarios, trabajando la tela libremente con matices de un mismo color (por ejemplo naranja) y pinto la anatomía de la mujer con el color complementario (azul) haciendo que esta, refriegue su cuerpo sobre el bastidor, para que de este modo se resalte la mancha dejada en el lienzo, captando así, la esencia, la sensualidad, la huella de la mujer ausente. Otra diferencia es que no solo dirijo la acción (como hacia Klein que no toca la obra, la dicta), si no que también participo de ella tiño la carne de color y la sumerjo en el cuadro, buscando una fusión entre artista, lienzo y modelo, donde la pintura fluya naturalmente envuelta en una total libertad creativa.

                     

También tomo como referente para mi obra los trabajos realizados por Vera Gottliebe Anna Gräfin von Lehndorff-Steinort (conocida comoVeruschka Von Lehndorff) quien trabajaba con su cuerpo utilizando la pintura corporal a la manera de camuflaje para mezclarse con sus fondos. De su trabajo destaco una estética diferente a la de Klein, la cual tomo para mi obra, pinto a la modelo ya no enchastro su cuerpo, la modelo pasa de ser el pincel a ser el lienzo y compongo sobre ella con color las formas que surgen de mi mente. En algunos casos, produzco que los colores tiñan la piel desplegando contrastes complementarios contra los fondos, en otros propongo que verdes, azules, rojos, amarillos, anaranjados, violetas, blancos y negros se conjuguen cubriendo el cuerpo en distintos diseños, en los cuales intento remarcar la sensualidad de la figura femenina.

Otro referente con trabajos similares a los de Veruschka Von Lehndorff es para mi el fotógrafo Roberto Edwards quien junto a un grupo de artistas chilenos  utilizan el cuerpo humano como soporte de sus creaciones. Estos usando pigmentos no nocivos, realizaron sesiones que se documentaron fotográficamente, hasta producir un volumen de obras que sirvió para constituir el libro Cuerpos Pintados. En mi trabajo utilizo como  Edwards la fotografía, pero en forma de documentación no como obra final. En fin, mi trabajo es un proceso experimental, al que he llamado “cuerpos”, que va desde las acciones de utilizar a la modelo como pincel hasta la acción de pintar a la modelo como si esta fuese un cuadro viviente.

                             

A) “Cuerpos”

Cuerpos es: Senos, bíceps, manos, cuellos, rostros, espaldas en todo su esplendor. Se trata del cuerpo humano fusionado en diversos colores, a partir del lenguaje del lienzo que cobra vida con los modelos, piel transformada en lienzo y color. En Cuerpos trato de explorar, a través de la pintura corporal, el infinito potencial de expresión que ofrece una forma humana y captar su esencia y sensualidad a través de la metamorfosis con la pintura. Cuerpos se divide en un proceso que parte de las acciones del ya mencionado artista plástico Yves Klein llevando su trabajo a un punto más personal donde el contraste de color es protagonista y el lienzo se impregna del color enchastrado por la modelo. Cuerpos concluye con una pintura corporal más cercana a las obras de la modelo, actriz y artista Vera Lehndorff y del  fotógrafo y artista Roberto Edwards, quien a mediados de la década del 80 invitó a Mario Toral y Carmen Aldunate, ambos destacados pintores chilenos, a transferir sus lenguajes a la piel de una modelo. La finalidad de Cuerpos, es mostrar a las modelos totalmente pintadas, bañadas en colores que contrastan el erotismo de la figura femenina y la pintura, tomando al cuerpo como soporte de creación  y elevándolo  al título de obra de arte.

Cuerpos es una forma de arte transitorio, en la cual la documentación fotográfica y fílmica son fundamentales a la hora de llevar un registro del proceso de existencia de la obra.

IV- Otros referentes

A) Filosofía Zen

 Para desarrollar mi obra tuve que hacer un acercamiento al mundo de la filosofía Zen para poder comprender de mejor manera la obra plástica de Klein y su búsqueda de  "le Vide" (el vacío) y así hallar puntos de encuentros con mi trabajo.

La filosofía Zen es una mezcla única de filosofías e idiosincrasias de tres culturas diferentes. Es una forma de vida típicamente japonesa, y aún así refleja el misticismo de la India, el amor de la naturalidad y espontaneidad del Taoísmo y el pragmatismo profundo de la mente Confucionista. El objetivo del Zen es lograr la iluminación  una experiencia conocida como satori. La experiencia del Zen es, por lo tanto, la experiencia de la iluminación, de satori, y ya que esta experiencia, finalmente, trasciende toda categoría de pensamiento, Zen no se interesa en ninguna abstracción ni conceptualización. No tiene ninguna doctrina o filosofía especial, ningún credo ni dogma formal y enfatiza su libertad de todo pensamiento fijo, esto la hace verdaderamente espiritual. Zen está convencido de que las palabras nunca expresarán la verdad última. En un resumen clásico de cuatro líneas, Zen es descrito como:

-Una transmisión especial externa a las escrituras.

-No sostenida por palabras ni letras.

-Apuntando directamente a la mente humana.

-Mirando directamente a la naturaleza propia y alcanzando el estado de Buddha.

Los maestros Zen no son adeptos a la palabrería y aborrecen todo tipo de teorización y especulación.

 De esta manera desarrollaron métodos que apuntan directamente a la verdad, con acciones y palabras repentinas y espontáneas, que exponen paradojas del pensamiento conceptual orientados a parar el proceso mental del pensamiento, preparando así al estudiante a la experiencia mística.

La iluminación en Zen no significa retirarse del mundo, sino al contrario, una activa participación en la vida cotidiana. Se enfatizaba el despertar en el medio de las actividades diarias y dejan muy en claro que ven a la vida diaria, no sólo como la forma de lograr la iluminación, sino como la iluminación misma. La perfección de Zen es por lo tanto vivir la vida diaria en forma natural y espontánea.

 En mi obra busco la acción de pintar, el momento en donde modelo y artista se enfrentan y la pintura se apodera de los sentidos guiando al pincel sobre la piel convertida en lienzo. Este acto de pintar que propongo podría ser una de las características de la experiencia Zen, que  pueden ser usadas para entrenar la mente y llevarla en contacto con la realidad última (la iluminación), ya que es una expresión de espontaneidad, simplicidad y la total presencia de la mente característica del Zen. Esta iluminación se daría, en el momento mismo de pintar donde la naturalidad y creatividad se manifiestan y los sentidos se liberan.                                                            

Otro punto de encuentro con la filosofía Zen sería que no intento conceptualizar mi trabajo sino presentarlo abiertamente a los ojos y mente del espectador, presentando la acción como un todo, llegando al clímax  donde modelo, pintura y artista se fundan unos con otros, donde la acción se vuelva espontánea, natural, libre.  De cierta manera así, me estaría acercando al vacío del que habla Klein, ese mudo, esas "Zonas de Sensibilidad Pictórica e Inmaterial", que desarrollo en base a la filosofía Zen, y que  también pueden entenderse en esta descripción del "arte sin arte", en el pequeño libro de Eugen Herrigel, Zen en el arte del tiro con arco.

Herrigel utilizó más de cinco años con un renombrado maestro japonés para aprender su arte "místico" y nos da en su libro una descripción de cómo experimentó Zen a través del tiro con arco. Nos describe como el tiro con arco le fue presentado como un ritual religioso que es "bailado" en movimientos espontáneos, libres de esfuerzo y propósito. Le tomó muchos años de práctica dura, lo que transformó todo su ser, como aprender a estirar el arco "espiritualmente", con un tipo de fuerza no esforzada, y como liberar la cuerda "sin intención", dejando que el tiro "caiga del tirador como una fruta madura". Cuando llegó al clímax de perfección, el arco, flecha, objetivo y arquero, todos se fundían los unos en el otro y él no disparaba sino que "esto" lo hacía por él.

La descripción de Herrigel del tiro con arco es una de las más puras recolecciones de Zen pues no habla en ningún momento de Zen.

B) Happening

Otra expresión artística cercana al desarrollo de mi obra es el Happening, del que se pueden encontrar varias definiciones como:

1. “Una forma teatral concebida premeditadamente, en la que elementos alógicos, inclusive la actuación no subordinada a modelos, se organizan en una estructura dividida en compartimientos” (Michael Kirby).

2. “El happening es ante todo un medio de expresión plástica. Al colocar físicamente a la pintura en (y no, a la manera de Pollock, por encima de) su verdadero contexto subconsciente; el happening efectúa las transmisiones, introduce al testigo directamente en el acontecimiento... es un arte plástico. pero su naturaleza no es exclusivamente “pictórica”; es también cinematográfica, poética, teatral, alucinatoria, social­, dramática, musical, política, erótica, psicoquímica” (Jean-Jacques Lebel).

3. “Una situación repentina sin argumentos” (M. McLu­han)

Fue en los Estados Unidos de América donde se rea­lizaron las primeras manifestaciones de happening, es­timuladas por las obras neodadaístas de Jasper Johns y de Rauschenberg

El happening, se visualiza en mi obra en la acción misma de pintar a la mujer frente al espectador, manifestando así una relación estrecha con el publico estableciendo  tres medios expresivos, el plástico, el musical y el teatral, propios del happening , pero a diferencia de este, no hay improvisación, aunque las formas del azar cumplan un papel necesario.

C) Action Painting

 Con mi obra al igual que el action painting pongo énfasis en el propio acto de pintar y contemplo lienzo y modelo (sobre todo en la primera etapa de mi obra) como un campo de juego en el que actuar, más que un espacio en el que reproducir, rediseñar, analizar o expresar, un objeto real o imaginario, plasmando en el lienzo mas que una imagen un suceso, y al igual que el llamado Dripping en action painting, utilizo casi únicamente las reglas del azar, manejando a la modelo como si fuera un pincel que derrama pintura sobre el lienzo y que dejara su huella sobre él.

 

D) Ritual

Mi obra podría tomarse también como una especie de ritual tomando como referente a la “simbología comparativa”, que sostiene que los rituales en si son tanto productores como reproductores de sentido, que privilegian la experiencia y el acontecer, los procesos de constitución sobre el sistema y la estructura de esta manera, la propia acción es creadora y mutadora de los sentidos y materialidades. La simbología comparativa afirma que los símbolos, los mitos y los ritos se van constituyendo juntos, que el ritual es el lugar experimental por excelencia de la cultura y que el rito es una exposición de unidades dramáticas, o forma de acción.

El ritual se manifiesta en mi obra como un acto experimental, una acción,  un juego entre artista y modelo donde el proceso de constitución de la obra es tan importante como la resolución final. Un juego donde la modelo se transforma mediante la metamorfosis con la pintura  en obra de arte, lo que genera puntos de encuentro con la teoría sobre ritual de Víctor Turner  y su propuesta de simbología comparativa, quien define al ritual como una performance transformativa, reveladora de clasificaciones, categoría y contradicciones del proceso cultural. Y expone que el rito es la fuente generadora por excelencia de la cultura y la estructura, lo cual logra gracias a una fase liminal o intermedia, que se cuenta principalmente en los rituales iniciáticos, en los cuales los sujetos rituales sufren cambios y se transforman en otros individuos sociales.[14]                                                                                                                              Es así que en mi obra la mujer brotada en color, cercano a lo que es un rito de iniciación, se transforma en arte.

                  

                                                                                                                                          

V- Recursos técnicos

Los materiales usados para el Body Painting pueden contener base acrílica o grasa, de igual modo que ocurre en la pintura tradicional, siendo la Henna, pigmentos naturales y los maquillajes corporales los más usados. Excepcionalmente se usan lacas para realzar zonas de brillo, obteniendo un resultado similar al que produciría el barniz sobre una madera pintada. También se usa en ocasiones el látex, considerado como uno de los materiales de más rápida y sencilla aplicación, con el valor añadido de que con él es posible conseguir relieves y formas más allá de las del propio cuerpo.
Todos estos materiales se aplican sobre el cuerpo con la ayuda de un aerógrafo, que literalmente “vaporiza” la pintura sobre la piel, o pinceles. En cuanto a los motivos, la creatividad no tiene por qué atarse a limitación alguna. Realmente no existe una temática o tendencia determinada.

Esta técnica requiere cuidados especiales tanto en la composición de los materiales utilizados como en la forma de aplicar la pintura, puesto que estamos hablando de un ser vivo. Por lo tanto, utilizar pigmentos hipoalergénicos y de secado rápido es indispensable si no queremos dañar la piel. En este sentido, las pinturas con base acrílica o acuosa son más indicadas que las grasas.

                                   

                          

Los materiales que yo utilizo son pigmentos de origen vegetal e incluso comestibles, también temperas, que disueltos en crema humectante, para el cuerpo, protege la piel de  daños que pueda causar la pintura. El tiempo aproximado que lleva realizar un Body Painting va de las 4 a 10 horas de trabajo, dependiendo la complejidad de los diseños que se quieran realizar, y teniendo en cuenta que el lienzo en estos casos es una persona que necesita cada tanto descansar, también cabe señalar que los retoques finales llevan bastante tiempo, por lo general a esa altura la modelo está cansada, haciéndose más difícil solucionar los detalles al tener que pintar rápidamente. Al momento de tomar las fotografías o filmar el proceso se hace más distendido, la modelo vuelve a relajarse a tener más soltura en su cuerpo.

Cabe aclarar que realizo personalmente las sesiones fotográficas para documentar la obra. No soy fotógrafo y por ese motivo, no presento la fotografía en esta tesis como mi obra final, pero sí como documentación, y  elijo presentar la modelo en vivo con su cuerpo cubierto en pintura.

VI-Conclusión

Los antecedentes remotos y cercanos del Body Art, me aportaron conocimientos fundamentales para evolucionar en  mi propia experiencia; una amplitud de motivos, lenguajes y estilos, que desarrollados a través de la historia me brindan un amplio marco de elección para encontrar mi propio camino dentro del Body Painting.

Algo que me llamó la atención y me sirvió para orientar mi tesis en el marco de éste  movimiento artístico, es que en la obra, la acción de pintar es tan importante como la resolución final; y que aunque la obra solo dure un momento, ése momento tiene posibilidades de sobrevivir por medio de la documentación. En otras palabras, noté también que podía haber más de una obra final; el Body Painting en sí (la acción de pintar y la modelo pintada) y la documentación de la obra (la fotografía de la mujer pintada) y que se abre además un sin número de posibilidades de exhibición. Por esto es que presento mi “performance de Body Painting”, que no se agota en el momento de la tesis, sino que tengo posibilidades de difundirla por variados medios gráficos e Internet. Esta dejará de ser solo documentación cerrada, para convertirse en una obra al alcance de todos los que consuman arte a través de estos nuevos medios.

Entendí de esta forma que el proceso de creación, la obra y la documentación son igualmente importantes en este tipo de pintura, que las salidas que da este arte son numerosas, que las formas tecnológicas le aportan mucho, no sólo en la documentación y la difusión sino también en la creación de la obra (por ejemplo en el uso de aerógrafos) y que me deja un campo de experimentación muy amplio para seguir trabajando, adentrándome en el mundo del Body Painting.

En fin el Body Painting es para mí una experiencia que funciona en muchos niveles. Se trata de un acto simultáneo de dar y recibir, tanto para el artista y modelo. El modelo da libremente su cuerpo a la pintura del artista, y en cambio recibe el don de ser una obra de arte viviente. Asimismo, el artista da su tiempo y atención a la modelo, que le proporciona el lienzo sobre el que da rienda suelta a su creatividad. Así me sumerjo en busca de lo esencial del cuerpo, su sensualidad y espiritualidad trabajando con colores primarios junto con el blanco y el negro, más sus complementarios (violeta, verde, y naranja), en un intento de rescatar mediante contrastes el erotismo de los cuerpos femeninos bañados en color y transformados en diseños.

Body painting por Walter Mariano Castro